Film britannico spudorato e brutale. Ben Wheatley si era già fatto notare nel 2009 con il pluripremiato Down Terrace, dopo tanta gavetta nei serial tv e nelle pubblicità. In Kill List dirige due attori eccellenti come Michael Smiley (già in Down Terrace) e Neil Maskell, ai quali spetta la parte di due amici sicari che accettano di eliminare tre nomi di una lista, salvo trovarsi coinvolti in un tour de force inquietante e corrosivo, con una puntata funesta nel mondo dell’occulto. Wheatley mescola thriller ed horror in una trama sfuggente ma ingegnosa cui non manca un finale angoscioso e spiazzante.

2. Red State (di Kevin Smith)

Kevin Smith? Eh già, proprio lui: bravino nelle commedie (forse Clerks e Clerks II le sue più celebri; più recentemente ha girato Cop Out – Poliziotti fuori, con Bruce Willis, ma in realtà il suo capolavoro comico resta Zack and Miri Make a Porno del 2008) adesso ci prova con l’horror: un po’ atipico, ma imperdibile. Red State è un salto nel buio del fanatismo cristiano in quell’america che ogni giorno sforna sette fondamentaliste. Smith strizza l’occhio alla struttura dell’horror per farci incassare la malvagità degli adepti, omofobi spietati, per poi ammiccare sapientemente all’action movie nella mischia finale. Bravissimo come sempre John Goodman.

3. The Tunnel (di Carlo Ledesma)

Per questo film Carlo Ledesma si è aggiudicato il premio come miglior regista australiano al Festival Internazionale dell’Horror che si tiene ogni anno a Sydney. L’intera produzione è australiana e i fondi sono stati reperiti online: film dal budget estremamente contenuto quindi, e anche per questo girato con l’espediente più economico del found-footage (nella famiglia del mockumentary, che va molto di moda anche nell’horror): in questo caso il video ritrovato è quello di un gruppo di giornalisti che svolge delle indagini nelle gallerie abbandonate della metropolitana di Sydney. Il film avrà anche qualche pecca, ma è una prova brillante di costruzione della suspense, paurosamente claustrofobica e violenta.

Ma la riflessione che mi andava di condividere, al di là dell’enorme apprezzamento per il film, riguarda un aspetto per nulla secondario – io credo – nella storia raccontata da Farhadi, relativo ai concetti di verità e di giustizia. Le vicende dei due protagonisti che si stanno separando, lui Nader e lei Simir, si complicano nel momento in cui la donna che accudisce il padre malato di Nader subisce un infortunio di cui incolpa proprio Nader. Seguono il ricorso alla giustizia locale e tentativi di riconciliazione privati durante i quali menzogna e verità acquisiscono un valore spiccatamente religioso. Nei paesi islamici il giuramento sul Corano durante la composizione di un diverbio è un evento normalissimo, sia in privato che in pubblico. Ed è proprio qui il punto: se le circostanze e le responsabilità dell’incidente alla fine vengono fuori (sono tentato di dire pomposamente se alla fine la giustizia trionfa) non è per mezzo della legge, né tanto meno per una forma di rispettosa onestà verso il prossimo, e meno che mai per amore della verità dei fatti, che invece dovrebbero essere le basi della giustizia, dico bene? No: qui la verità viene fuori solo perché c’è una donna terrorizzata da ciò che potrebbe accadere a lei e alla sua famiglia qualora giurasse il falso sul Corano. Direi che è una giustizia impastata di fanatismo e superstizione.

Però attenzione: noi europei siamo tanto distanti da questo tipo di mentalità? In un contesto privato credo che nessuno di noi si sognerebbe mai di chiedere alla persona con cui sta avendo una disputa di giurare sulla Bibbia che quello che dice è vero, nemmeno tra persone più o meno religiose. Ma allora cosa ci fanno i crocifissi nelle aule dei tribunali?

Il problema è che questo non è un film d’azione. Tutta la prima parte, assai frenetica, sembra soltanto l’esercizio pirotecnico di un regista che sa di dover spendere il resto della pellicola per raccontare una storia più piccola, molto intima, e soprattutto meno movimentata. Questo perché Zhang Yimou ha portato sullo schermo il romanzo della scrittrice cinese Yan Geling, The 13 Flowers of Nanjing, in cui racconta la storia di alcune prostitute che trovano rifugio in una chiesa cattolica insieme alle bambine della scuola parrocchiale, sotto la minaccia incombente degli stupri giapponesi. E Christian Bale si finge prete per salvarle tutte, trasformandosi per incanto (una delle pecche narrative del film) da cinico bastardo in santo di turno.

Una storia al femminile quindi, che se da un lato oscura il dramma generale sofferto da tutta la popolazione di Nanchino, dall’altro vuole concentrarsi solo sulle sofferenze patite dalle donne, stuprate, mutilate e oltraggiate dai giapponesi. Eppure l’enfasi di tutta la storia sembra arroccarsi unicamente su un moralismo insopportabile: se siano cioè più sacrificabili le prostitute o le piccole vergini innocentissime del collegio, con tanto di Christian Bale che sospira “siete così pure”…

Non credo francamente che questo film possa competere con le altre nominations, in un anno in cui si trova davanti rivali di gran lunga superiori come Il ragazzo con la bicicletta dei Dardenne, Una separazione di Farhadi e il meraviglioso La pelle che abito di Almodovar.

E torna sullo schermo, tra i protagonisti, proprio Cuba Gooding Jr., che già in Pearl Habor (2001) di Michael Bay aveva interpretato Doris Miller, un cuoco di colore che si distinse per davvero durante l’attacco giapponese guadagnandosi la Navy Cross, la più alta decorazione della marina americana. Nel 2000 aveva interpretato anche il primo palombaro di colore della marina, Carl Brashear, in Men of Honor di George Tillman Jr., accanto a De Niro. In questo Red Tails (2012), prima prova alla regia di Anthony Hemingway, Cuba Gooding Jr. è il Maggiore Stance ed è uno degli ufficiali del gruppo di piloti famosi con il nome di Tuskegee Airmen cui nel 1944 furono assegnate missioni di combattimento a bordo di caccia P-47 Thunderbolts (dal giugno del 1944) e poi su P-51 Mustang (1944-45), anche nei cieli italiani. Il nickname di Red Tails se lo guadagnarono quelli del 332° Gruppo Caccia dopo aver dipinto di rosso le code dei loro P-47.

L’epopea dei piloti di colore è già stata raccontata in un film per la tv del 1995, The Tuskegee Airmen, prodotto dalla HBO e con Cuba Gooding Jr., guarda caso, tra i protagonisti. Ma il cinema americano torna sui suoi miti di guerra (anche quelli meno celebri) e in questo caso lo fa in pompa magna: l’uscita sul grande schermo di Red Tails (il prossimo 20 gennaio negli USA e in Canada) è stata anticipata addirittura dalla distribuzione di un documentario, Double Victory, realizzato apposta da George Lucas, che ha prodotto il film (di cui pare dovesse essere lui, in origine, il regista). Insomma, c’è tanta carne al fuoco, in un calderone in cui credo finiranno per cuocersi anche tante banalità patriottiche. Ma tant’è: benvenuti a Hollywood!

L'iPhone 4 sul set di Paranmanjang

Non possiedo un iPhone e non sono un fan della mela. Però morivo dalla voglia di mettere le mani sul cortometraggio che quel geniaccio di Park Chang-wook ha girato utilizzando un iPhone 4 (risoluzione 720p con 30 fotogrammi per secondo) con lenti DSLR e l’applicazione almost DSRL per il twick del video. Sarà pure una trovata commerciale, visto che i soldi li ha messi la KT, la compagnia sud coreana di telecomunicazioni con l’esclusiva della distribuzione del melafonino, ma ciò che conta è che è servita a Park Chan-wook, regista di horror culto come Sympathy for Mr. Vengeance (2002), Old Boy (2003), Sympathy for Lady Vengeance (2005) e Thirst (2009), per sfogare creatività e abilità tecniche in un racconto molto asiatico sulla vita e sulla morte intitolato Paranmanjang (2011), la cui traduzione è “alti e bassi” ma che in inglese si trova come Night Fishing, dal momento che tutto ha inizio da una pesca notturna molto inquietante. Mette tutti d’accordo: appassionati di iPhone e cinefili.

Nel 2011 ho visto l’amore delirante, effimero, squilibrato. Apocalittico, come l’universo che attendono i due amici protagonisti di Bellflower (2011), ossessionati dal mito di Mad Max, con scenari da fine del mondo da dominare con i cavalli della loro macchina da sballo e da incendiare con la potenza del loro lanciafiamme. Ma l’apocalisse vera non viene dalla fantasia di due ragazzoni annoiati: viene dalla realtà adulta e insopportabile dell’amore fallito, tradito. E’ una storia che bene o male è di tutti, ed è senza tempo. Evan Glodell ci gira sopra un film, il suo primo lungometraggio, realizzando una delle pellicole indie più interessanti del 2011. E non solo pensa il film per anni, ma alla fine lo scrive, lo dirige, lo monta e lo interpreta lui stesso. E’ un colosso di artigiano insomma! Per le riprese si costruisce addirittura una camera con lenti speciali per conseguire un effetto sfondo sfocato (di cui probabilmente un po’ abusa però, crogiolandosi in una sorta di autocompiacimento estetico da enfant prodige). Il film gli è costato 17 mila dollari e un esaurimento nervoso. A titolo di paragone: per una porcata come Cowboys & Aliens di Favreau sono stati spesi 163 milioni di dollari! e l’esaurimento è venuto al pubblico…

Evan Glodell in una scena di Bellflower

Bellflower è un viaggio senza ritorno nella follia tragica e visionaria dell’amore che inizia e che finisce (sempre purtroppo), inscenando ogni volta il suo gioco meschino di aspettative e di rovine. Delusione e rabbia trasformano i volti (qui Glodell-attore dà il meglio di sé, interpretando fisicamente la sua parabola di dolore), imbrattano di sangue i corpi e corrompono i sogni. L’amore consuma il suo finale devastante, di gran lunga più violento e fatale di un mondo alla Mad Max. Le favole non esistono. Mi spiace. Film da vedere e rivedere.